500년의 이야기를 품은 여인, 모나리자를 만나다

이탈리아 르네상스의 심장부였던 피렌체, 그곳에 모든 분야에 능통했던 천재 예술가 레오나르도 다 빈치가 있었습니다. 화가이자 과학자, 발명가, 사상가였던 그는 인간과 세상에 대한 끝없는 호기심으로 가득 차 있었죠. 1503년 어느 날, 그는 피렌체의 부유한 비단 상인 프란체스코 델 조콘도의 의뢰를 받게 됩니다. 둘째 아들의 탄생을 기념해 아내의 초상화를 그려달라는 것이었죠. 그 부인의 이름이 바로 '리사 게라르디니', 우리가 '모나리자'라고 부르는 그림의 주인공입니다. '모나(Mona)'는 이탈리아어로 '부인'을 뜻하는 경칭이니, '리자 부인'이라는 뜻이 되겠네요.

다 빈치는 이 평범한 여인의 초상화를 그리기 시작했지만, 그림은 결코 의뢰인에게 전달되지 않았습니다. 그는 이 그림에 특별한 애정을 쏟으며 프랑스로 이주할 때도 직접 챙겨갔고, 숨을 거두는 순간까지 곁에 두고 덧칠을 계속했다고 전해집니다. 대체 무엇이 그를 이토록 사로잡았을까요?

아마도 그는 단순히 한 여인의 모습을 그리는 것을 넘어, 인간이라는 존재의 본질과 내면의 깊이를 담아내고 싶었을 겁니다. 그래서였을까요? 그는 당시 초상화의 딱딱한 공식을 모두 깨뜨렸습니다. 정면이 아닌 살짝 비튼 자세, 부와 신분을 과시하는 장신구 하나 없이 소박한 옷차림, 그리고 무엇보다 관람객과 직접 눈을 맞추는 당당한 시선은 그 시대의 여성 초상화에서는 찾아볼 수 없는 파격적인 시도였죠.

모나리자의 미소를 더욱 신비롭게 만드는 '스푸마토' 기법은 다 빈치의 과학자다운 면모가 드러나는 부분이기도 합니다. 그는 대기 중의 수분과 먼지가 빛을 산란시켜 멀리 있는 사물의 윤곽을 흐리게 만든다는 사실을 발견하고, 이를 그림에 적용했습니다. 붓 자국을 거의 남기지 않고 물감을 수십 겹 얇게 덧칠하는 방식으로 인물과 배경의 경계를 허물고, 안개 속처럼 부드럽고 환상적인 분위기를 만들어냈죠. 이 기법 덕분에 모나리자의 표정은 고정되지 않고, 빛과 보는 각도에 따라 미묘하게 변화하며 살아 숨 쉬는 듯한 생명력을 얻게 되었습니다.

이 그림이 지금처럼 세계적인 명성을 얻게 된 데에는 극적인 도난 사건도 한몫했습니다. 1911년, 루브르 박물관에서 <모나리자>가 감쪽같이 사라지는 사건이 발생합니다. 전 세계가 발칵 뒤집혔고, 2년이 넘는 시간 동안 그림의 행방은 묘연했죠. 범인은 놀랍게도 박물관에 고용되었던 이탈리아 출신의 유리 기술자 빈첸초 페루자였습니다. 그는 "이탈리아 화가의 작품은 이탈리아에 있어야 한다"는 애국심(?)에 그림을 훔쳤다고 주장했죠. 이 사건으로 인해 <모나리자>는 연일 신문 1면을 장식했고, 이전에는 미술 애호가들 사이에서만 알려졌던 그림에서 전 세계인이 아는 슈퍼스타로 거듭나게 되었습니다.

수많은 시간이 흐르는 동안 사람들은 모나리자의 미소에 대해 끊임없이 질문을 던졌습니다. 그녀가 다 빈치 자신의 자화상이라는 주장부터, 상상 속의 이상적인 여인이라는 설까지 다양한 추측이 난무했죠. 하지만 어쩌면 그 미소의 진짜 의미는 중요하지 않을지도 모릅니다. 중요한 것은 그녀가 500년이라는 긴 시간 동안 우리에게 끊임없이 말을 걸어오고, 우리 스스로 자신의 감정을 들여다보게 만든다는 사실 아닐까요. 기쁠 때 보면 함께 웃어주는 것 같고, 우울할 때 보면 위로를 건네는 듯한 <모나리자>는 단순한 그림을 넘어, 우리 마음을 비추는 거울과도 같은 존재입니다.